7 pequeños cambios para tu relacion con el cine - Articulo numero: 62

Posted by Natashia on January 27th, 2021

El cine (abreviatura de cinematógrafo o bien filma) es la técnica y el arte de crear y proyectar metrajes (como se conocía a las películas en sus principios). Etimológicamente, la palabra «cinematografía» fue un neologismo creado a fines del siglo xix y compuesto desde 2 palabras griegas: por un lado (kiné), que significa «movimiento» (ver, entre otras muchas, «cinético», «cinética», «kinesis», «cineteca»); y por otro γραφóς (grafos). Con esto se procuraba definir el término de «imagen en movimiento».

La historia del cine como espectáculo comenzó en la ciudad de París el veintiocho de diciembre de mil ochocientos noventa y cinco.

Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en múltiples sentidos. Por una parte, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde sus comienzos con el cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo veintiuno. Por otra parte, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido de este modo distintos géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron diferentes movimientos cinematográficos.

Como forma de narrar historias o bien acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las 6 artes del planeta clásico, se lo denomina «séptimo arte». Sin embargo, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil delimitar lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones televisivas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al directivo como el auténtico autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otro lado, a la creación documental o bien periodística se la clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y grabes periodísticos de personal con visión propia, única y probablemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros muchos), es realmente difícil acotar la calidad artística de una producción cinematográfica.

La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio esencial en lugares como Hollywood (California, USA) y Bollywood (Bombay, la India).

(1,887) El caballo en movimiento

En mil ochocientos setenta y dos, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford, exgobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un conjunto de amigos suyos sostenían que había un momento, a lo largo del trote largo o bien el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro conjunto, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, afirmaba lo opuesto.

Eadweard Muybridge dio por terminada esa polémica con esta secuencia de imágenes que Mostraban a « El caballo en movimiento » uno de los predecesores de la captura de movimiento

La historia del cine se inició con los egipcios, los griegos y los romanos. Ellos mostraron la idea del movimiento mediante dibujos sucesivos. Con el tiempo, en Asia se comenzaron a realizar juegos de luces y sombras que consistían en proyectar las sombras sobre la superficie blanca de una tela por luces a espaldas de los espectadores. Por su parte, este invento inspiró a la creación de la "Linterna mágica" en el siglo XVII. Un aparato óptico que se basaba en una caja que capturaba imágenes del exterior y las proyectaba en su interior para entonces marchar a la inversa.

Después, en Gran Bretaña (siglo XIX) junto con la revolución industrial llegaron nuevos inventos como la máquina a vapor, la lámpara de luz, los nuevos transportes y entre todos la fotografía. Durante esta época se inventó la primera cámara oscura fabricada por Charles y Jacques Vincent Louis Chevalier en Paris. Más tarde se ideó el Kinetoscopio, creación de Thomas Edison. Este instrumento consistía en captar imágenes en movimiento para entonces plasmarlas en una cinta. El Kinetoscopio fue lo que los inspiró a los hermanos Lumière en tanto que los dos deseaban reflejar imágenes en movimiento con lo que consiguieron un series peruanas kinetoscopio y con él crearon su propio artefacto, el cinematógrafo. Su mecanismo se fundamentaba en un disco giratorio que ponía a correr una cinta a dieciseis cuadros por segundo.

En el 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una factoría francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un navío saliendo del puerto.1​ El éxito de este invento fue inmediato, no solo en Francia, sino más bien asimismo en toda Europa y América del Norte, donde Thomas Edison ya había grabado numerosas escenas que un espectador al unísono podía ver mediante un kinetoscopio.

En un año, los hermanos Lumière crearon más de diez películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la situación fija de la cámara. No obstante, Alice Guy fue la primera persona en ser realizadora de una película, la fundadora del cine narrativo y de la narración cultural superando el cine de demostración de los hermanos Lumière y sentando las bases de lo que en el futuro se ha considerado ficción. Asimismo fue la primera persona que logró sostenerse económicamente a través de esta profesión. Su primera película -y en consecuencia, la primera película de la historia del cine- fue El hada de los repollos (La Fée aux Choux, 1896). Efectuó muchas más películas, entre ellas Sage-femme de première classe (mil novecientos dos) y La Esméralda (mil novecientos cinco). Tras el éxito de Guy, Georges Méliès decidió introducirse en esta profesión. Efectuó películas con historias y decorados fantásticos, como "Fausto" y "Barba Azul" (mil novecientos uno), desarrolló las técnicas nuevas cinematográficas, sobre todo con Viaje a la Luna (1902) y con Viaje por medio de lo imposible (mil novecientos cuatro), aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos singulares y la ciencia-ficción rodada.

A partir de entonces, la filma no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Murnau, Erich von Stroheim y Converses Chaplin. En E.U. se hicieron películas de aventuras, como las de Douglas Fairbanks y dramas románticos como las de Valentino. No obstante, las de mayor belleza fueron fruto de la escuela cómica americana nacida a partir de la comedia de Mack Sennett, basada en slapsticks y en la estereotipación de figuras sociales como el policía o el gordito, el avaro y el bigotudo burgués.

Aquí recordemos en especial a Buster Keaton y a Converses Chaplin. En mil novecientos veintisiete, se estrenó la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine como se conocía dejó de existir y de un lenguaje en que primaba la expresividad de segmentos que se contrastaban y juntaban se impuso una mayor continuidad del relato y mayor fluidez argumental. Ese mismo año apareció el doblaje.

En mil novecientos treinta y cinco se filmó en Technicolor La feria de la vanidad (Becky Sharp), de Rouben Mamoulian; si bien artísticamente el color consiguió su máxima totalidad con Lo que el viento se llevó (1939).

La primera proyección pública de cine digital en Europa se realizó en París,2​ el dos de febrero de 2000, utilizando MEMS (DLP (Procesado digital de luz) CINEMA) desarrollado por Texas Instruments.

El cine de autor es el cine en el que el director tiene un papel preponderante, dando una visión solamente suya a un guion propio o ajeno; efectúa su obra al lado de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo que le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. En el cine de autor, el creador es en general identificable o bien identificable por ciertos rasgos típicos en su obra.

El cine de autor es aquel en el que el directivo plasma su visión particular, no solo del séptimo arte, sino del mundo en el que vive, o bien del que quiere criticar o ensalzar; o, da un tratamiento suigéneris a otras obras o bien temas muy empleados o de moda en los medios masivos de comunicación (T.V., internet, cine, teatro...). Casi siempre y en toda circunstancia son grabes que solamente ciertos comprenden, aceptan y les producen agrado, pero siempre invitan a la reflexión y a la crítica; además, otros muchos autores los utilizan como paradigma y perduran en el tiempo en la conciencia colectiva del espectador.

En la década de 1960, un grupo de críticos de cine franceses, pertenecientes