10 beneficios del cine mudo - Articulo numero: 47

Posted by Norsworthy on January 27th, 2021

El cine (abreviatura de cinematógrafo o bien cinematografía) es la técnica y el arte de crear y proyectar metrajes (como se conocía a las películas en sus principios). Etimológicamente, la palabra «cinematografía» fue un neologismo creado a fines del siglo xix y compuesto a partir de dos palabras griegas: por un lado (kiné), que significa «movimiento» (ver, entre otras muchas, «cinético», «cinética», «kinesis», «cineteca»); y por otro γραφóς (grafos). Con esto se procuraba delimitar el concepto de «imagen en movimiento».

La historia del cine como espectáculo comenzó en la ciudad de París el veintiocho de diciembre de 1895.

Desde ese momento ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por una parte, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde sus comienzos con el cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI. Por otra parte, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido así diferentes géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematográficos.

Como forma de contar historias o sucesos, el cine es un arte, y generalmente, considerando las seis artes del planeta clásico, se lo denomina «séptimo arte». Sin embargo, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es bastante difícil acotar lo que es el cine el día de hoy. Sin embargo, las creaciones televisivas que se encargan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayor parte de los casos consideran al directivo como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o bien cine arte (cine de arte). Por otro lado, a la creación reportaje o periodística se la clasifica según su género. Pese a esto, y por la participación en reportajes y grabes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil acotar la calidad artística de una producción cinematográfica.

La industria cinematográfica se ha transformado en un negocio esencial en lugares como Hollywood (California, Estados Unidos) y Bollywood (Bombay, la India).

(uno con ochocientos ochenta y siete) El caballo en movimiento

En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de California. Leland Stanford, exgobernador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un momento, durante el trote largo o bien el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro grupo, del que formaba parte James Keene, presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, aseveraba lo opuesto.

Eadweard Muybridge dio por terminada esa polémica con esta secuencia de imágenes que Mostraban a « El caballo en movimiento » uno de los predecesores de la atrapa de movimiento

La historia del cine se empezó con los egipcios, los griegos y los romanos. Ellos mostraron la idea del movimiento a través de dibujos sucesivos. Con el tiempo, en Asia se empezaron a realizar juegos de luces y sombras que consistían en proyectar las sombras sobre la superficie blanca de una lona por luces a espaldas de los espectadores. Por su parte, este invento inspiró a la creación de la "Linterna mágica" en el siglo XVII. Un aparato óptico que se basaba en una caja que capturaba imágenes del exterior y las proyectaba en su interior para https://seriesperu.tv/ entonces marchar al contrario.

Después, en Gran Bretaña (siglo XIX) así como la revolución industrial llegaron nuevos inventos como la máquina a vapor, la bombilla de luz, los nuevos transportes y entre todos la fotografía. A lo largo de esta temporada se inventó la primera cámara oscura elaborada por Charles y Jacques Vincent Louis Chevalier en Paris. Posteriormente se ideó el Kinetoscopio, creación de Thomas Edison. Este instrumento consistía en captar imágenes en movimiento para entonces plasmarlas en una cinta. El Kinetoscopio fue lo que los inspiró a los hermanos Lumière en tanto que ambos deseaban reflejar imágenes en movimiento por lo que consiguieron un kinetoscopio y con él crearon su propio instrumento, el cinematógrafo. Su mecanismo se fundamentaba en un disco giratorio que ponía a correr una cinta a dieciseis cuadros por segundo.

En el 28 de diciembre de mil ochocientos noventa y cinco, los hermanos Lumière proyectaron en público la salida de obreros de una factoría francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren y un navío saliendo del puerto.1​ El éxito de este invento fue inmediato, no solo en Francia, sino más bien también en toda Europa y América del Norte, donde Thomas Edison ya había grabado numerosas escenas que un espectador a la vez podía ver a través de un kinetoscopio.

En un año, los hermanos Lumière crearon más de diez películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. No obstante, Alice Guy fue la primera persona en ser realizadora de una película, la creadora del cine narrativo y de la narración cultural superando el cine de demostración de los hermanos Lumière y sentando las bases de lo que en el futuro se ha considerado ficción. También fue la primera persona que logró sostenerse económicamente mediante esta profesión. Su primera película -y por consiguiente, la primera película de la historia del cine- fue El hada de los repollos (La Fée aux Choux, 1896). Efectuó considerablemente más películas, entre ellas Sage-femme de première classe (1902) y La Esméralda (mil novecientos cinco). Tras el éxito de Guy, Georges Méliès decidió introducirse en esta profesión. Efectuó películas con historias y decorados fantásticos, como "Fausto" y "Barba Azul" (mil novecientos uno), desarrolló las técnicas nuevas cinematográficas, sobre todo con Viaje a la Luna (1902) y con Viaje mediante lo imposible (mil novecientos cuatro), aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos singulares y la ciencia-ficción filmada.

A partir de entonces, la cinematografía no hizo más que prosperar y brotaron grandes directores como Murnau, Erich von Stroheim y Converses Chaplin. En E.U. se hicieron películas de aventuras, como las de Douglas Fairbanks y dramas románticos como las de Valentino. Sin embargo, las de mayor belleza fueron fruto de la escuela cómica americana nacida a partir de la comedia de Mack Sennett, basada en slapsticks y en la estereotipación de figuras sociales como el policía o el gordo, el avaricioso y el mostachudo burgués.

Acá recordemos en especial a Buster Keaton y a Charles Chaplin. En 1927, se estrenó la primera película con sonido El vocalista de jazz, desde la como el cine tal como se conocía dejó de existir y de un lenguaje en que primaba la expresividad de segmentos que se contrastaban y juntaban se impuso una mayor continuidad del relato y mayor fluidez argumental. Ese año apareció el doblaje.

En 1935 se grabó en Technicolor La feria de la vanidad (Becky Sharp), de Rouben Mamoulian; aunque artísticamente el color consiguió su máxima plenitud con Lo que el viento se llevó (1939).

La primera proyección pública de cine digital en Europa se efectuó en la ciudad de París,2​ el 2 de febrero de 2000, usando MEMS (DLP (Procesado digital de luz) CINEMA) desarrollado por Texas Instruments.

El cine de autor es el cine en el que el director tiene un papel preponderante, dando una visión solamente suya a un guion propio o bien ajeno; realiza su obra al lado de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo que le permite una mayor libertad en el momento de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. En el cine de autor, el autor es en general reconocible o identificable por algunos rasgos típicos en su obra.

El cine de autor es aquel en el que el director plasma su visión particular, no solo del séptimo arte, sino del mundo en el que vive, o bien del que quiere criticar o ensalzar; o bien, da un tratamiento sui géneris a otras obras o bien temas muy utilizados o de moda en los medios masivos de comunicación (TV, internet, cine, teatro...). Prácticamente siempre y en todo momento son filmes que solamente algunos entienden, admiten y les producen agrado, pero siempre y en toda circunstancia invitan a la reflexión y a la crítica; además de esto, muchos otros autores los emplean como paradigma y perduran en el tiempo en la conciencia colectiva del espectador.

En la década de mil novecientos sesenta, un grupo de críticos de